Fonds Régional d'Art Contemporain de La Réunion

la programmation

dans les murs

SCULPTURE Exposition

Lieu
Maison Bédier, Stella, Piton Saint-Leu
Du 24 février au 25 août 2019
Horaires
mercredi, jeudi, samedi et dimanche, de 14h00 à 18h00
jeudi et vendredi, sur rendez-vous pour les groupes et les scolaires
Vernissage
samedi 23 février 2019, 18h00
Documents à télécharger
LIVRET PEDAGOGIQUE SCULPTURE (1.3MB)

Avec

Nicholas Hlobo, Brendan Van Hek, Michael McGarry, Nandipha Mntambo, Zanele Muholi, Jagannath Panda, Sumedh Rajendran, Jared Jinsburg, Jean-Claude Jolet, Bronwyn Katz, Igshaan Adams, Shine Shivan, Radhika Khimji, Dineo Seshee Bopape, Arunkumar H.G., Sunil Gawde, Prajakta Potnis


Sculpture : du latin sculpere, art de fabriquer des formes représentatives ou abstraites en deux ou trois dimensions, notamment en gravant la pierre ou le bois, en coulant du métal ou du plâtre. (Dictionnaire d’Oxford)


Sculpture se veut une exposition didactique qui explore les nombreuses manières qu’ont les artistes de revisiter les traditions de la sculpture. Des matériaux aux méthodes, la sculpture contemporaine a quitté son piédestal. Aujourd’hui, elle crée du sens à partir de l’ordinaire, du quotidien, de l’incident et du transitoire, en venant troubler la place qu’elle tient dans l’histoire de l’art.

Le choix des matériaux utilisés s’élargit comme le montre les œuvres sélectionnées pour cette exposition : objets “ready made”, œuvres en tissu, bambou, chambre à air, résine, cuir, fourrure, tubes au néon, autant de matériaux inattendus et insolites qui reposent la question de la sculpture et du volume.

Dorénavant, l’œuvre intervient dans l’espace de manière surprenante pour l’esprit et pour l’œil. Dans Sculpture, les œuvres sont suspendues au plafond, collées au mur, au sol, et parfois … sur un socle.

Que ce soit en termes d’échelle, de matérialité ou de sens, ces œuvres nous incitent à reposer la question du volume et de la sculpture.

Salim Currimjee, commissaire de l’exposition


Biographie de Salim Currimjee

Salim Currimjee est né à Maurice où il vit et travaille. Après des études d’architecture et d’histoire de l’art aux Etats-Unis, il rentre à Maurice où il crée son agence d’architecture en 1992. Salim Currimjee est architecte, photographe et peintre. Il est aussi collectionneur et fondateur dirigeant de l’ICAIO – Institute for Contemporary Art Indian Ocean – fondation qui s’engage à soutenir l’art contemporain dans l’océan Indien.

Membre du comité d’acquisition de la Tate Modern à Londres, Salim Currimjee est depuis 2018 membre du comité d’acquisition du FRAC de La Réunion. Il suit avec passion et intérêt la création contemporaine, voyageant régulièrement en Inde et en Afrique.

En tant qu’artiste, Salim Currimjee a exposé son travail à travers de nombreuses expositions solo et collectives à Maurice, en Afrique du Sud, aux Seychelles, à Londres et aux Etats-Unis.

Le mot du FRAC de La Réunion

Depuis 2016, le FRAC de La Réunion a initié un partenariat avec l’ICAIO à Maurice. Deux expositions produites par le FRAC — « Où poser la tête ? » et « Transitions » ont ainsi été présentées à Port-Louis dans les locaux de la fondation créée par Salim Curimjee. Ce partenariat permet de faire circuler œuvres et artistes et développe le rayonnement de la création dans l’océan Indien. Grâce à ce programme de coopération, le FRAC accueille à son tour une exposition. « Sculpture » est proposée par Salim Currimjee qui, autour du volume et de la mise en espace, invite des artistes indiens, sud-africains et australien à la Maison Bédier. Une proposition curatoriale pédagogique et ludique qui interroge les matériaux et s’affranchit de l’académisme en cours jusqu’au 19e siècle.

Béatrice Binoche

Arunkumar H. G.

Né en 1968 dans le Karnataka, Inde, Arunkumar H.G est diplômé de la MS University of Baroda. Protéiforme, son travail se déploie notamment entre la photographie et la conception de jouets. L'artiste manipule les matières et les matériaux tels que des jouets, du plastique, de la céramique, de la bouse de vache, du foin et des écrans de télévision dans des contextes variés avec une sensibilité liée au mouvement néo-pop. Cette approche éclectique articule les idées par superpositions.
Expositions personnelles : Con-struction, Centre des arts visuels, Université OP Jindal, Sonepat Haryana et Gallery Espace, New Delhi (2018), In-site, Galerie Aicon, New York (2018), Seed of Reckoning, Mumbai Art Room, Mumbai (2012). ).
Expositions collectives : Damned Art / Embrace Our Rivers, Goethe-Institute, Chennai (2018), Western Ghats Eco Walk, exposition itinérante d'affiches, Shimoga District, Karnataka (2017), Condition Report, Art District 13, New Delhi (2017).
Les recherches artistiques d’Arunkumar interrogent une diversité de préoccupations écologiques. Elles font ressortir ses craintes de la propagation sans conscience d’une culture de consommation qui provoque le déclin des ressources naturelles. Arunkumar introduit dans un travail son milieu social, historique et culturel qu’il commente plutôt qu’il n’impose. Le choix des matériaux révèle ses hésitations entre la vie en ville et son éducation rurale. L’agriculteur prend le rôle du protagoniste et devient également le sujet pour affirmer le rôle essentiel qu'il joue dans la préservation de la biodiversité de l'environnement.

Sources : Latitude 28.com / arunkumarhg.com / galleryespace.com

Sunil Gawde

Sunil Gawde nait en 1960, à Bombay (aujourd’hui Mumbai, Inde). Après des études à la Sir JJ School of Art de Bombay, il remporte, en 1995, le prix Charles Wallace attribué par le British Council. Il bénéficie d’une résidence à la Glasgow School of Art, au Royaume-Uni. Découvert à la Biennale de Venise en 2009, il conquiert le public français dans l’exposition Paris-Delhi-Bombay au Centre Georges Pompidou en 2011.
Sunil Gawde est un artiste polyvalent qui s’exprime à travers la sculpture, la peinture et l’installation mobile. En dépit de sa circulation à travers différents médias, il garde un style distinctement identifiable doté d'un humour cinglant. Les objets qu’il utilise sont d’apparence commune comme des essuie-glaces, des ampoules ou des loupes auxquels il attribue une valeur symbolique. «En tant qu'artiste, mes préoccupations principales sont la perception et la réalité. D'après mon expérience, ce que l'on perçoit et ce qui «est» peuvent souvent être deux choses absolument différentes. Mon travail consiste à combler le fossé entre les deux. »

Sources : rabouanmoussion.com / sunilgawde.com

Radhika Khimji

Diplômée de la Slade School of Fine Art de Londres, Radhika Khimji (née à Oman en 1979) a achevé ses études de troisième cycle à la Royal Academy of Fine Arts accompagné d’une deuxième maîtrise en histoire de l'art à l'University College London.
Expositions solo : Artefacts from Below, Project 88 Mumbai, Inde (2014), Found Gesture, Katara Art Center, Doha, Qatar (2012) et Safe Landings, Barka Castle, Muscat, Oman (2010).
Expositions collectives : Saatchi Gallery, à INIVA, Londres ; Devi Art Foundation, New Delhi, Art Dubai, India Art Summit, Art Basel Miami Beach, Biennale Jogja 2013.
“Mon travail est tout à la fois une peinture, un dessin et un collage; c'est aussi une broderie et une sculpture. Parce que c'est entre toutes ces mediums, à un endroit précis, que plusieurs polarités apparaissent. En évitant pourtant toute identification, mon travail semble néanmoins “une identité” et plus je tente d'échapper à une catégorisation, plus je me retrouve lié à cela. J'ai développé une méthode de travail éclairée par la « physicalité » et la matérialité du processus de fabrication pour déconstruire, échapper et effacer les constructions d'identités repérées. Je remets en question la catégorisation et joue souvent avec les termes et la dénomination des choses pour générer un nouveau récit pour apporter - à partir de son histoire chargée – de l’abstraction à un objet.

Sources : karavilcontemporary.com

Michael MacGarry

Michael MacGarry est un artiste plasticien et cinéaste basé à Johannesburg, en Afrique du Sud. Il est titulaire d'une maîtrise de beaux-arts de l'Université du Witwatersrand (2004). Depuis dix ans, son travail est exposé et projeté à l'international : TATE Modern, Guggenheim Bilbao, VideoBrasil, le Festival du court métrage d'Oberhausen, le Festival international du film de Rotterdam, le Festival international du court métrage de Clermont-Ferrand et les Rencontres de Bamako.
Expositions solo : Nous sommes ce que vous étiez, CIRCA, Johannesburg (2018), SHOW NO PAIN - Le film et la vidéo rassemblés de Michael MacGarry, Wits Art Museum (2017), Between Rot and Genesis, Everard Read Gallery (2016 ).
Expositions de groupe : Africa State of Mind, organisée par Ekow Eshun, New Art Exchange (NAE), Nottingham, Royaume-Uni (2018), Flow of Forms, organisée par Kerstin Pinther, Alexandra Weigand Völkerkundemuseum, Hambourg (2018).
La pratique de MacGarry est axée sur la recherche de récits et d'histoires liant socio-économie, politique et objets dans le contexte africain, principalement dans les espaces où la vie contemporaine est en état d'invention. Michael MacGarry s’intéresse aux mécanismes de contrôle qui régissent le transfert d’idées, de valeurs et de produits du «centre» vers la «périphérie», en étudiant les ramifications en cours de l’impérialisme en Afrique.

Sources : alltheorynopractice.com

Jagannath Panda

Né en 1970 à Delhi, en Inde, Jagannath obtient est diplômée des Beaux-arts du BK College of Art & Craft à Bhubaneshwar en 1991 et de la MS University en 1994. Il a été chercheur invité à la Fukuoka University of Education de Fukuoka (Japon) en 1997 et au Royal College of Arts de Londres en 2002.
Expositions solo : The Action of Nowhere, Nature Morte, New Delhi; Alexia Goethe Gallery, Londres (2009), Rien n'est solide, Gallery Chemould, Mumbai (2007), Jagannatha Panda, Berkley Square Gallery, Londres (2006),
Jagannath utilise des images simples et apparemment directes qu’il peint dans une palette naturaliste où il décrit le mondain comme pittoresque. Dans ses œuvres, les animaux deviennent extensions de l'homme quand les schémas comportementaux humains sont transférés aux animaux. A travers ses œuvres, Jagannath symbolise le sens de ses combats d’artiste socialement engagé et qui croit en son rôle.
L’artiste aborde divers thèmes, des préoccupations et des émotions comme la mort et le désir, l'injustice sociale, les inégalités sociales et économiques, les problèmes d'urbanisation, les changements de paradigmes culturels et religieux. Ses travaux récents ont évolué vers la sculpture. D'une famille de brahmanes Vaishnav de Puri, Jagannath intègre certaines images religieuses — images chromolithographiques de dieux et de déesses — mais de manière subversive. Il décrit les espaces contradictoires et douloureusement violents qui deviennent le théâtre de sa propre discorde et de son trouble intérieur. Pour Jagannath, «le travail est lié au désir de manifester un conflit entre le savoir et la foi. Pour moi, l'esprit est un espace non figuratif et non défini capable de représenter des souvenirs, des expériences et leurs voyages connexes dans différents lieux culturels, en séparant la culture de l'artefact ou en reconnaissant l'art comme un artefact, recréant ainsi les préoccupations de la société et les valeurs humaines. ”

Sources : Vadehraart.com

Prajakta Potnis

Prajakta Potnis est née en 1980 à Mumbai (Inde). Elle a obtenu son baccalauréat et sa maîtrise “ beaux-arts” à la J.J. School of Art de Mumbai (1995-2002) et un diplôme en “ Analyse de film” à l'Institut indien du film et de la télévision (FTTI). La pratique de Prajakta navigue entre la peinture, les installations sculpturales et des interventions d’art public.

Projets solo : Porous walls (2008) à la galerie d’art The Guild, Mumbai. Membranes and Margins (Galerie Em 2008, Corée du Sud. Walls in Between (2006) est la première exposition personnelle à la Guild Art Gallery de Mumbai. En 2015, elle fait partie de l'exposition de groupe After Midnight au Queens Museum de New York.
Whorled Explorations à la Biennale de Kochi-Muziris 2014, organisée par Jitish Kallat, Shamans et Dissent, à l'initiative de THE WEST HEAVENS PROJECT, à Shanghai à la TZ Hanart Gallery de Hong Kong. Participe au spectacle L'exigence de la saudade à la fondation Kadist Art, Paris.

Le travail de Prajakta Potnis réside entre le monde intime de l’individu et le monde extérieur séparés que par une fragile frontière. Pour elle, le mur de la maison est le témoin de l’histoire et des traces des vivants. Le mur du foyer est une membrane poreuse, un filtre, une peau, et l’artiste s’interroge sur sa perméabilité : comment les décisions politiques affectent-elles la société et qu’en est-il des angoisses sociales et individuelles qu’elles peuvent engendrer ? Dans sa pratique, Potnis tisse la complexité des émotions et la véracité de l’époque contemporaine.

Sources : wikipedia.org / project88.in

Sumedh Rajendran

Né en 1972, Sumedh Rajendran est diplômé du Collège des beaux-arts de Trivandrum (1994, Kerala) et du Delhi College of Art en 1999.
Expositions personnelles : Dual Liquid , Vadehra Art Gallery, New Delhi, 2010 ; Contrebande chimique, Grosvenor Vadehra, Londres, 2008 ; Final Call, Anant Art Center, New Delhi, 2007 ; Street Fuel Blackout, Galerie Sakshi, Mumbai, 2006 ; Pseudo-Homelands, Galerie d’art Rohtas, Lahore. Expositions collectives (sélection) : Indian Highway, Astrup Fearnley Museum, Norvège ; On the Road to Next Milestone, HEART, Herning, Danemark ; Zones of Contact, Propositions on the Museum, Kiran Nadar Museum of Art, New Delhi, Kochi-Muziris Biennale, Kochi.
L’œuvre de Sumedh Rajendran fait allusion au contexte le plus large de l’expérience humaine tout en explorant les possibilités de l’expérimentation sculpturale. Ses premières séries ont étudié de manière critique les difficultés des migrations, des déplacements, de l'angoisse, de la discrimination et des disputes entre différentes couches et structures de la société. Il juxtapose les contradictions, les valeurs contraires et l'apathie sociale généralisée qui prévaut avec son utilisation habile de matériaux comme les carreaux de céramique et le cuir, qui ont des connotations distinctes dans les contextes sacré et profane.
Rajendran utilise des matériaux industriels tels que des feuilles d'étain, des canettes, du caoutchouc, de l'acier pour béton armé, etc., tout en leur donnant une valeur esthétique. Une interface gênante de ses images, surfaces et structures composites génère des significations faisant référence aux situations sociales et politiques, par exemple les contours accentués des animaux, les corps mutilés, etc. cela le fait travailler avec des images auxquelles les gens peuvent s'identifier. Et pourtant, il s'en sert comme point de départ pour examiner et déconstruire ces images en circulation afin d'explorer leurs idéologies cachées.

Dineo Seshee Bopape

Dineo Seshee Bopape, née en 1981 à Polokwane, Afrique du Sud, vit et travaille à Johannesburg en Afrique du Sud. Elle est diplômée de l'Institut de technologie de Durban (Beaux-Arts) et en 2010, de l'Université de Columbia, New York, Etats-Unis).
Expositions personnelles : When Spirituality was a Baby, Collective Gallery, Edinburgh, Ecosse (2018), Lerole: footnotes. (The struggle of memory against forgetting), Sfeir-Semler Gallery Hamburg, Allemagne (2018), Solo Exhibition: Main Prize winner of the Future Generation Art Prize 2017, PinchukArtCentre, Kiev, Ukraine (2018).

Expositions collectives : BELIEVE, Museum of Contemporary Art Toronto, Canada (2018), 57th October Salon: The Marvellous Cacophony, Belgrade, Serbie (2018) ; We Don’t Need Another Hero, 10th Berlin Biennale for Contemporary Art, Berlin, Allemagne (2018).

Sources : sfeir-semler.com / wikipedia.org

Shine Shivan

Shine Shivan was born in 1981 in Kerala, India. He has a Masters in Visual Arts from Dr. Bhim Rao Ambedkar University, Agra, India, and a Bachelor in Fine Arts from the College of Arts, Delhi. He has previously shown at Khoj Studios, Delhi, India and was the recipient of a Lalit Kala Academy Scholarship in 2008. Shine debuted with a solo show, Sperm Weaver, at Gallery Maskara, Mumbai, India in 2009. His video work was shown at Move on Asia 2010, Tate Modern, London, UK following the success of Move on Asia 2010, at Gallery Loop, Seoul, Korea. In November 2010 his work was part of an exhibition at MOCA Taipei, in Taipei, Taiwan. Shine Shivan was one of the artists shortlisted for the SKODA Prize Twenty 2010. In 2011, Shivan’s had a second solo Suck Spit at Gallery Maskara, Mumbai, India. He showed at the India Art Summit 2011, Crossroads: India Escalate at Prague Biennale 5 and (M)other India, Galerie du Jour – Agnès B, Paris, France. In 2012, Shivan participated in group exhibitions at the India Art Fair, New Delhi and the VIP Art Fair (online) as well as How Am I? at the Kastrupgårdsamlingen museum in Copenhagen and The Secret Life of Plants curated by Maya Kovskaya at Exhibit 320 in Delhi. Glimpse of Thirst, Shivan’s third solo show at Gallery Maskara opened in January 2013 at Gallery Maskara followed by a solo presentation at Art Brussels in April of the same year. In October 2013 Shivan participated in Young International Artist Art Fair (YIA Art Fair), Paris, France. In 2014 Shivan was a part of group exhibition at the India Art Fair, New Delhi in January, In March 2014 Shivan participated in an exhibition Drawing Now, Paris, France. In October he was a part of Young International Artist Art Fair (YIA Art Fair), Paris, France and Kaleidoscopic India Maison Guerlain, Paris, France in October-November. Shine Shivan in November also had his fourth solo show Language of Deceased at Gallery Maskara, Mumbai, India. In 2016 Shine had a solo show My Mentor is a Wolf at Galerie Felix Frachon, Brussels, Belgium. The artist lives and works in Faridabad, India.

Brendan Van Hek

Brendan Van Hek, né en 1968 à Perth, Australie occidentale, est diplômé de la Curtin University of Technology de Bentley (2001, Australie occidentale).
Expositions personnelles : Some kind of love story, Anna Schwartz Gallery, Sydney ; A certain slant of light, Perth Institute of Contemporary Art, Perth.
Expositions collectives : Neon, Anna Schwartz Gallery, Sydney; NEW11, Centre australien d'art contemporain, Melbourne; remix, galerie d'art de l'Australie occidentale, Perth.

Brendan Van Hek pratique essentiellement l’installation variant la forme et l’échelle, passant de minimal ou industriel à luxuriant et coloré. Son travail est influencé par la culture populaire, la littérature et de nombreuses sources, conflictuelles et variées, qui touchent aujourd'hui les producteurs de culture. Le travail de Van Hek est constitué de récits élaborés à partir de son histoire personnelle, la fiction ou plus largement des politiques culturelles. À travers ces récits, l'artiste explore les concepts de race, de religion et de masculinité, en examinant souvent les politiques sociales qui traitent de ces questions. Van Hek travaille avec des matériaux tels que néon, miroir, verre, métal et boules disco. Il manipule les propriétés élémentaires de ces matériaux afin d'étendre et souvent nier leur potentiel symbolique.

Source : iscp-nyc.org

Jared Ginsburg

Né en 1985, Jared Ginsburg vit et travaille au Cap. Jared Ginsburg emploie la création artistique pour explorer des modes alternatifs de production et de transfert de connaissances. Il admet l'art comme un outil, un moyen de tester et de sonder le monde, dans l'espoir de développer de nouvelles stratégies pour un engagement productif. Ginsburg utilise différents types de supports, notamment la peinture, la sculpture, le dessin, la vidéo et la performance. Les sculptures cinétiques font partie intégrante de son répertoire et ont été créées en combinant des objets trouvés en mouvement avec des méthodes de construction rudimentaires.
Expositions personnelles : Six dont Measuring Nothing, Blank projects, 2018.
Expositions collectives : open agenda, blank projects, Cape Town; Both, And , Stevenson, Cape Town (2018), blank , Galerie Guido W. Baudach, Berlin (2018), Sculpture, Institute of Contemporary Art Indian Ocean, Port Louis, Mauritius (2018), More for Less, A4 Arts Foundation, Cape Town (2018), A Painting Today, Stevenson, Cape Town (2017), I Love You Sugar Kane, Institute of Contemporary Art Indian Ocean, Port Louis, Mauritius (2016), Artists and Architecture, Variable Dimensions, commissariat Gregory Lang, Emily Harvey Foundation, New York (2016), The Morning I Killed A Fly at Galleria Mazzoli, Modena, Italy (2015). In 2018, Ginsburg a participé au Idris Naim residency programme à Oaxaca, Mexico, suivi de Hacer Noche, Centro Cultural Santo Domingo, Oaxaca de Juarez.

Sources : blankprojects.com / frieze.com

Bronwyn Katz

Née en 1993 à Kimberley en Afrique du Sud, Katz vit et travaille entre Le Cap et Johannesburg. Katz est membre fondateur d'iQhiya, un collectif d'artistes composé de 11 femmes qui se produit dans divers espaces, notamment à la Documenta (Kassel, Athènes), Greatmore Studios et Iziko South African National Gallery.
Expositions personnelles : Trois dont A Silent Line, Lives Here at the Palais de Tokyo in Paris (2018). Expositions collectives (sélection) : Road to the Unconscious (Peres Projects, Berlin, 2019); Not A Single Story (Nirox Foundation, Johannesburg, 2018); Sculpture (Institute of Contemporary Art Indian Ocean, Port Louis, Mauritius, 2018); Tell Freedom (Kunsthal KAdE, Amersvoort, 2018); Le jour qui vient (Galerie des Galeries, Paris, 2017); the 12th Dak’Art Biennale (Sénégal, 2016); and The Quiet Violence of Dreams (Stevenson Gallery, Johannesburg, 2016).
Intégrant sculpture, installation, vidéo et performance dans sa pratique, Bronwyn Katz s’intéresse au concept de la terre en tant que dépositaire de la mémoire. Elle engage la notion de lieu et d’espace comme une expérience vécue et convoque la capacité de la terre à se souvenir, à communiquer et à transmettre. L’approche de Katz est principalement guidée par des préoccupations formelles comme la composition et la ligne, exprimées dans un langage minimaliste et abstrait. Sur le plan conceptuel, ses sculptures font référence au contexte politique dans lequel elles sont réalisées, incarnant de subtils actes de résistance qui attirent l’attention sur les constructions et les frontières sociales qui continuent de définir ces espaces.

Sources : blankprojects.com

IGSHAAN ADAMS

Igshaan Adams was born in 1982 in Cape Town, South Africa. Combining aspects of performance, weaving, sculpture and installation that draw upon his upbringing, his cross-disciplinary practice is an ongoing investigation into hybrid identity, particularly in relation to race and sexuality. Raised by Christian grandparents in a community racially classified as ‘coloured’ under apartheid legislature, he is an observant but liberal Muslim who occupies a precarious place in his religious community because of his homosexuality. As such, the quiet activism of Adams’s work speaks to his experiences of racial, religious and sexual liminality, while breaking with the strong representational convention found in recent South African art. He uses the material and formal iconographies of Islam and ‘coloured’ culture to develop a more equivocal, phenomenological approach towards these concerns and offer a novel, affective view of cultural hybridity.

His works dwell on the relationship between gender and craft, the role of the prayer rug, and the issue of veiling identities, highlighting the numerous histories and ideologies embedded in each piece of fabric.

Sources : artsy.net / blankprojects.com

Nicholas Hlobo

Hlobo est né au Cap en 1975. Il vit à Johannesburg.
Des expositions personnelles ont eu lieu dans des institutions telles que l'Institut d'art contemporain de l'océan Indien à Maurice (2017) Uppsala Konstmuseum (2017); Musée Beelden aan Zee à La Haye (2016); Projets antiacridiens à Miami (2013); le Musée national d'art, d'architecture et de design d'Oslo (2011); la galerie Level 2 de la Tate Modern, Londres (2008); et l'ICA de Boston dans le cadre de la série Momentum (2008), entre autres.
Il crée de grandes œuvres sculpturales, masses expansives à la fois suintantes, voluptueuses et très structurées. Le contraste entre la féminité et la masculinité est créé par l’utilisation de matériaux dissemblables tels que des chambres à air en caoutchouc, des rubans, de l'organza, de la dentelle et des objets trouvés.

sources : stevenson.info

ANDIPHA MNTAMBO

Born in 1982 in Mbabane, Swaziland, Mntambo lives in Johannesburg. She graduated with a Master’s in Fine Art from the Michaelis School of Fine Art, University of Cape Town, in 2007. Material Value, a solo exhibition of her work was shown at Zeitz Museum of Contemporary Art Africa (2017). Mntambo won the Standard Bank Young Artist Award for Visual Art in 2011, for which she produced the national travelling exhibition Faena. She has had seven solo shows at Stevenson Cape Town and Johannesburg (2007-17) and two at Andréhn-Schiptjenko, Stockholm (2013-15).
Mntambo features in the inaugural exhibitions at the Norval Foundation. Notable group exhibitions include Not A Single Story, the Nirox Winter Sculpture Fair in Johannesburg (2018); Regarding Africa: Contemporary Art and Afro-Futurismat the Tel Aviv Museum of Art (2017); Afrique Capitales across Paris and Lille (2017); Disguise: Masks and Global African Art at the Seattle Art Museum (2015) and Brooklyn Museum, New York (2016); What Remains is Tomorrow, the South African Pavilion at the 56th Venice Biennale (2015); The Divine Comedy: Heaven, Purgatory and Hell Revisited by Contemporary African Artists at the MMK Frankfurt, SCAD Museum of Art and Smithsonian National Museum of African Art, Washington DC (2014-15); My Joburg at La Maison Rouge, Paris, and the Staatliche Kunstsammlungen Dresden (2013); 3rd Moscow International Biennale for Young Art, Moscow (2012); 17th Biennale of Sydney (2010); 9th and 12th Dakar Biennales (2010 and 2016); Les Rencontres de Bamako biennial of African photography (2009); and Apartheid: The South African Mirror, Centre de Cultura Contemporania de Barcelona (2008).
Mntambo was shortlisted for the AIMIA | AGO Photography Prize in Canada in 2014 and was a Civitella Ranieri Fellow for 2013.

She is a South African artist who has become famous for her sculptures, videos and photographs[1] that focus on human female body and identity by using natural, organic materials.In her work, Mntambo focuses on the human body and the organic nature of identity, using mainly natural materials and experimenting with sculptures, videos and photography. One of her favourite materials is the skin of the cow, often also used as a covering for human bodies – boneless sculptures – and thus oscillating between evoking the garments that can be shod at will and the bodies that once contained living, breathing, masticating beings with four stomachs. Mntambo embraces this ambiguity and likes to play with the tension between the sightly and the unsightly by manipulating how her viewers negotiate the two aspects of the hide.[3] She uses her own body as the mould for these sculptures and does not intend to make an explicit statement regarding femininity. Rather, Mntambo uses these hides to explore the division between animals and humans, as well as the divide between attraction and repulsion.

sources : wikipedia.org / stevenson.info

Zanele Muholi

Muholi is a visual activist and photographer born in Umlazi, Durban, and living in Johannesburg. Muholi’s self-proclaimed mission is ‘to re-write a black queer and trans visual history of South Africa for the world to know of our resistance and existence at the height of hate crimes in SA and beyond’.Muholi co-founded the Forum for Empowerment of Women (FEW) in 2002, and in 2009 founded Inkanyiso (www.inkanyiso.org), a forum for queer and visual (activist) media. They continue to train and co-facilitate photography workshops for young women in the townships.

Muholi's work focuses on race, gender and sexuality with a body of work looking at black lesbian, gay, transgender, and intersex individuals. Muholi's photography has been compared to that of W.E.B. DuBois— as a tool to subvert the typical representations of African Americans. Each photographer creates an archive of photos, working to dismantle dominant, pre-existing perceptions of the subjects they chose to photograph. Through her artistic approach she hopes to document the journey of the African queer community as a record for future generations. She tries to capture the moment without negativity or focusing on the prevalent violence, portraying the LGBTQI community as individuals and as a whole to encourage unity.

Jean-Claude Jolet

Jean-Claude Jolet est né en 1958 à Paris. Après des études et une carrière technique en métropole, il décide de vivre à la Réunion et démarre en 1999 une démarche artistique en autodidacte.
A l'écoute de l'humain et de son environnement, le travail de Jean-Claude Jolet questionne, depuis une douzaine d'années, les pratiques culturelles, cultuelles ou artisanales du monde qui l'entoure. Ses travaux sont des propositions métaphoriques qui déplacent et brouillent les codes identitaires en passant par le principe d'acculturation. L'artiste aime à propulser certains objets ou savoir-faire du quotidien dans un espace intermédiaire de frottements culturels. Le résultat donne des installations ou les symboliques des pièces semblent ne pas avoir d'ancrage précis, un syncrétisme de formes et de sens opère pour activer la curiosité du spectateur. Souvent la facture artisanale reste le repère, le signe pour re-situer la pièce dans une réalité.
Etant avant tout sculpteur, Jean-Claude Jolet donne à la matière, et à l'échelle, un sens profond pour l'appréhension de son travail de volume. Même si certaines pièces sont fabriquées pour souligner un engagement politique ou sociétal, elles restent sculptures dans leur définition.
"Vivant sur une île, la poétique des écrivains comme Edouard Glissant ou Françoise Vergès, ainsi que la pensée rhizomatique de Deleuze me permettent d'appréhender ma création avec une vision philosophique, et de m'interroger sur diverses problématiques comme la migration, l'acculturation, l'insularité, le déplacement, ou simplement sur l'élément eau et sa symbolique. On retrouve ces propos disséminés dans la plupart de mes réalisations."

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